Este artículo es parte de una sección especial llamada “Producción for dummies”. Esta es una colaboración entre Be Tronic y The Second Wave. Se trata de una sección semanal donde el productor y DJ nos explica de forma amena y divertida las cosas a considerar para dedicarse a este sector del entretenimiento desde un aspecto técnico. Con el fin de plasmar tu talento al máximo, al mismo tiempo, comprender el complejo pero increíble panorama de la música electrónica. En el capítulo de hoy veremos la historia de la música electrónica en una edición amena y de bolsillo, casi como tu acordeón para el examen.

La historia de la música electrónica, edición de bolsillo

Okay, ya sabes qué te hace ser tú, ya tienes tu laptop, interfaz y monitores / audífonos,  estás inspirado y te compraste un paste porque te lo antojé. ¡Qué chingón, todo correcto, todo perfecto! Ahora ¿Qué sigue? Ahorita te lo digo, no seas impaciente.

Llegamos al capítulo 4 de esta sección llamada «producción for dummies». Antes que nada, les agradezco por seguirme en este proyecto donde explico a manera escrita lo que he aprendido en mi vida como productor y DJ. Desde el principio de la esencia hasta de donde podemos sacar inspiración para conectar con las personas quienes nos prestan sus oídos. Ahora, como si de saga de películas se tratara, hablaré de los orígenes de este increíble género musical. Desde el comienzo de los instrumentos que se enchufan a la luz, hasta hace rato. Si, hablaremos de la historia de la música electrónica.

Bien mi amigo, ahora te toca decidir el género o subgénero de la música electrónica que vas a producir. Quizá decidas darle a las licuadoras como Skrillex, quizá prefieras algo fresco y melódico como lo que hace Lastlings o chance en tus planes está convertirte en el nuevo rey de los Tuluminatis y decidas producir melodic techno al estilo de Afterlife. Hay infinitos géneros con los cuales puedes empezar. Después si tienes el conocimiento necesario y ambición incluso tú puedes ser el siguiente creador de un género o estilo.

Pero… primero tienes que saber de dónde vienes, quienes hicieron que hoy pudieras decir «Quiero ser DJ y productor». Los creadores de este pedo, los ghost de los que hablaba más recientemente Porter Robinson en su «Look At The Sky«.

Para eso necesitas como 20 libros de música, leerte todas las editoriales de Mix Mag, una que otra tesis de historia y ver un montón de videos donde explican todo esto. Eso si quieres convertirte en un experto, pero tenemos todos en claro que … ¡ODIAMOS LEER TANTO! Ni modo mijito, el conocimiento solo está disponible de esa manera, pero también hay humanos que hacemos este proceso más fácil.

Solo porque me caen bien y las quesadillas del nuevo puesto están a toda madre, les resumo en menos de 10 minutos toda una historia de la música electrónica. Desde el futurismo hasta los NFT, si señor. (Le dice el editor que no puede tocar los NFT porque hay otro experto en el tema que hablará de ellos más adelante) bueno de NFTS no, pero de todo lo demás sí. Abróchate el cinturón y vámonos en la máquina del tiempo.

Definición y comienzos de la música electrónica

¡ADVERTENCIA!

Antes de empezar el viaje, necesito que tengas un paste, torta, quesadilla o mínimo papas con salsa para hacer más amena tu lectura. Si lo sé , la historia de la música electrónica es muy larga y compleja pero hacemos lo posible para resumirla. Ahora si, comenzamos.

La música electrónica es aquella que -como su nombre lo dice- emplea instrumentos musicales electrónicos y tecnología de este tipo en su producción. La variedad con la cual podemos hacer esta clase de trabajos es enormemente amplia, desde dispositivos como el Theremin hasta la pura computadora. Las guitarras eléctricas y el órgano Hammond son más bien híbridas, ya que cuentan con partes acústicas también.

Desde antes de la invención de aparatos meramente electrónicos, ya existía un creciente deseo entre los compositores de usar tecnologías. Casi en un plan androide, diseñaron muchas piezas electroacústicas, los cuales facilitaron el camino hacia instrumentos meramente electrónicos. Uno de ellos fue el Telharmonium desarrollado por Tadeus Cahill, el cual estaba demasiado grande y por eso nunca lo utilizaron.

De ahí surgieron cosas verdaderamente funcionales como el Theremin, por León Theremin y las ondas Martenot. Este último fue reconocido por ser usado en la obra Sinfonía Turangalila de Olivier Messiaen.

En un principio la música electrónica estaba íntimamente relacionada con la tecnología para grabar sonidos, aunque hoy sabemos que no es absolutamente necesario hacer eso para ser considerado como tal. El primer dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Este instrumento podía grabar sonidos visualmente, pero no reproducirlos de nuevo.

En 1878 Thomas Alva Edison (si, el mismo wey que según inventó el foco y electrocutó un elefante) patentó el fonógrafo, el cual usaba cilindros similares al aparato de Scott. Después Emile Berliner desarrolla el fonógrafo de discos en 1889. Pero, se prepara verdaderamente el terreno de la música electrónica en 1906 cuando se crea la válvula audión, cortesía de Lee de Forest. Este pequeño aparato con forma de foco de navidad permite la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio y computación electrónica.

Las vanguardias artísticas y su influencia en la historia de la música electrónica

En 1907, justo un año después de la invención de la válvula Audión, Ferruccio Busoni publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música, que trataba sobre el uso tanto de fuentes electrónicas como de otras en la música del futuro. Como consecuencia de este escrito, así como a través de su contacto personal, Busoni tuvo un profundo efecto en multitud de músicos y compositores, especialmente en su discípulo Edgard Varèse.

La principal corriente de vanguardia artística que propició a la creación de la música electrónica fue el futurismo, un movimiento italiano el cual enmarca la belleza de objetos no considerados así en ese entonces. Como bien dice su manifiesto.

«Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido de una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras, con su radiador adornado de gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo… un automóvil que ruge, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia»

Manifiesto de la expresión futurista por Filippo Tommaso Marinetti

¿No te suena esto a algo conocido? Exacto, es el discurso en general que maneja la música electrónica para la producción de muchos géneros. Por eso te digo que es interesante conocer el origen de este rollo, para que no nos engañen con «es innovador o a nadie se le había ocurrido antes».

En cuanto a la música, esta corriente privilegiaba lo que la música clásica consideraba «ruido» es decir, los sonidos ambientales que bien pueden ser acomodados para hacer rolitas de los estilos más suaves de este bendito estilo. Aunque yo no sé explicar esta parte, menos mal que Be-tronic tiene una nota al respecto de cómo fue creado el ambient y su enorme papel en la configuración de la música electrónica. Una vez que leas ese bonito artículo, podemos seguir con lo mío.

De hecho el manifiesto técnico de la música futurista de Francesco Balilla Pratella en 1911 establece lo siguiente:

«Presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los trenes, de los cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad«.

Primeras grabaciones e instrumentos robustos de música electrónica

En los Estados Unidos, la música electrónica se estaba creando ya en 1939. Ese año John Cage publicó Imaginary Landscape Vol.1 ¿Cómo creó ese man algo así cuando las computadoras eran del tamaño de mi estudio? Bueno, usó un par de tocadiscos, grabaciones, un piano silenciado y un platillo.

En la década de 1940, la cinta magnética de audio permitió a los músicos grabar y modificar sonidos cambiando la velocidad o la dirección de esta, lo que llevó al desarrollo de la música electroacústica en cinta en la década de 1940 en Egipto y Francia. 

Le Musique concreté o concreta, creada en París en 1948, se basó en la fusión de sonidos naturales e industriales, siendo compuestas sus primeras piezas por Pierre Schaeffer. Desde 1942 ya había experimentaciones con grabación en modo estéreo, solo que en ese entonces era secreto de guerra shhhhhhhhhhhhhhhh. Cuando varios de estos aparatos fueron requisados por Jack Mullin y llevados a Estados Unidos. Estos sirvieron de base para los primeros grabadores de cinta profesionales que fueron comercializados en este país, entre ellos el Model 200 producido por la empresa Ampex.

Pronto los músicos comenzaron a utilizar el grabador de cinta o magnetófono para desarrollar una nueva técnica de composición llamada música concreta. Esta técnica consiste en la edición de fragmentos de sonidos de la naturaleza o de procesos industriales grabados conjuntamente. Las primeras piezas de esta música fueron creadas por Pierre Schaeffer, con la colaboración de Pierre Henry.

En 1950, Schaeffer dio el primer concierto de música concreta en la École Normale de Musique de París. Posteriormente, Pierre Henry colaboró con Schaeffer en la Symphonie pour un homme seul (1950), la primera obra importante de música concreta. Un año más tarde, RTF creó el primer estudio para la producción de música electrónica, lo que se convertiría en una tendencia global. También en 1951, Schaeffer y Henry produjeron una ópera, Orpheus, para sonidos y voces concretos.

En 1954, Karlheinz Stockhausen compuso su Elektronische Studie II. Fue la primera pieza de música electrónica que se publicó como una partitura, para quienes digan que la música electrónica no tiene teoría. En 1955 comienzan a aparecer estudios más experimentales. La partitura de Forbidden Planet, de Louis y Bebe Barron, se compuso en su totalidad utilizando circuitos electrónicos y grabadoras en 1956.

¿Muy largo, verdad? Te dije que fueras por papitas porque si está medio tendido, bajo aviso no hay engaño. Pero no te preocupes, que ahora pasamos a la incursión de las computadoras a este pedo.

Historia del uso de computadoras en la música electrónica

La primera computadora del mundo en reproducir música fue CSIRAC, que fue diseñada y construida por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar melodías populares de la década de 1950. Desgraciadamente no existe grabación alguna de CSIRAC, pero si se han reconstruido sus melodías. Las grabaciones más antiguas conocidas de música generada por computadora fueron reproducidas por la computadora Ferranti Mark I y datan del otoño de 1951, el programa que se utilizó lo escribió Christopher Strachey. 

Baia baia con que aquí tenemos el primer antecedente del creador del software de producción. No sé ustedes, pero desde ese momento Dios comenzó a existir. Geoff Hill y Christopher Strachey son mis pastores, nada me faltará. Ok, mucha religión, sigamos siendo ateos y continuemos.

El impacto de las computadoras continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron Illiac Suite. Fue el primer trabajo completo de composición asistida por computadora. Hiller propuso que a una computadora se le pueden enseñar las reglas de la música y luego pedirle que componga. Los desarrollos posteriores incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories. Desarrolló el influyente programa MUSIC I en 1957, uno de los primeros programas informáticos para reproducir música electrónica.

La década de 1960 y el comienzo de los sintetizadores

A fines de la década de 1960, los músicos de pop y rock, incluidos The Beach Boys y The Beatles (No me digas que no los conoces porque ahi si está cabrón ), comenzaron a usar instrumentos electrónicos. Usaron el Theremin y el Mellotron para complementar y definir su sonido. A finales de la década, el sintetizador Moog ocupó un lugar destacado en el sonido del rock progresivo emergente.

Bandas como Pink Floyd, Yes, Emerson, Lake & Palmer y Genesis hicieron de todos estos instrumentos parte de su sonido. El rock progresivo instrumental fue particularmente significativo en Europa continental, permitiendo a músicos y bandas como Klaus Schulze, Kraftwerk, Tangerine Dream, Can y Faust romper la barrera del idioma. 

Aaaaaaaah son muchas cosas , momentos y artistas; después de cansarme yo, acabarse los pastes y la editora mentandome a mi santa madre porque era mucho texto para poner aquí, tomé la decisión de hacer una segunda parte la otra semana. Mientras disfruten este enorme articulo y recuerden que ya pueden anotarse para mi curso de producción donde podemos hablar de este tema más a fondo. Puedes consultar las redes sociales de Be- Tronic o mías para más informes.

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